Андреас Гурски: полки супермаркетов как элемент искусства


Андреас Гурски – один из самых «дорогих» фотографов современности. Его работа «Рейн II» была продана за сумму, которая стала сенсацией. Покупатель, бизнесмен из Украины Виктор Пинчук заплатил за нее 4.338.500 долларов. «Рейн II» официально является самым дорогим снимком за всю историю фотографии.

Чем работы Гурски отличаются от работ других авторов? Что в них настолько привлекает ценителей фотографии, что те готовы платить за них баснословные суммы? Чем примечателен сам автор, у кого он учился? Как он создает свои работы, какие техники он при этом использует? И наконец, главный вопрос – насколько стоимость его работ адекватна их художественной ценности?

Андреас Гурски появился на свет 15 января 1955 года, в Лейпциге, в ГДР. Самым первым учителем фотографии для него стал его отец – рекламный фотограф. С его помощью Андреас мог получить объективное представление обо всех особенностях этого направления фотографии. В 70-х его семья приняла решение бежать из ГДР в соседнюю ФРГ, где не было развитого социализма, партийного диктата и нищеты, которая уравнивала победителей и побежденных.

В Эссене, небольшом городке неподалеку от Дюссельдорфа, в «кузнице знаменитостей» — школе Фолькванг, из стен которой вышло много популярных фотографов, Андреас продолжил свое обучение фотографии. Навыки документальной фотографии, полученные им в этом учебном заведении, в сравнении с рекламным фото представляли собой совсем другой полюс знаний, делая их более цельными и разносторонними.

В 80-тых годах Гурски продолжил свое обучение в Дюссельдорфе, в Академии искусств, которая также взрастила немало талантов, к примеру, Герхарда Рихтера, Джозефа Бойса и других. Немалое влияние на его стиль оказало знакомство и общение с мастером концептуализма Берндтом Бехером. Практически все ученики Бехера впоследствии добились признания. Было ли тому причиной его способность выбирать себе особо одаренных учеников, или он был гениальным преподавателем, способным полностью раскрыть потенциал своих учеников? Так или иначе, факт остается фактом.

Гурски перенял у своего учителя скрупулезность, способность быть открытым духу времени, и смелость создавать то, что не совсем укладывается в привычные представления об искусстве. Однако потребовались долгие годы для того, чтобы все накопленные знания и опыт сублимировались бы в работы, благодаря которым об Андреасе Гурски узнает весь мир.

Тематика ранних работ Гурски, снимаемых им на старый фотоаппарат, использующий обычную пленку – работ легких, незатейливых и непритязательных, впоследствии стала отражением масштабности, ритма современной жизни. Он находил эстетику в образах огромных складов, производств, отелей и промышленных комплексов. Спустя время его работы стали обретать еще больший масштаб – крупные спортивные, общественные и политические мероприятия, марафоны, собрания в парламенте, биржи, напоминающие разбуженные муравейники, огромные толпы на концертах музыки в стиле «техно», колышущиеся в такт однообразному методичному ритму…

Девяностые, в философской концепции Гурски, воплощенной им в его работах – это стремительно развивающийся техногенный мир, в котором голос одного человека тонет в гигантской толпе. Масштабность работ стала одним из ключевых моментов в творчестве Гурски, причем речь идет не только о масштабности в переносном, но и в прямом смысле: он постепенно увеличивает размер своих работ.

Если раньше он использовал стандартные размеры фотографий для своих выставок, то к 90-тым годам он перешел на самый большой формат фотобумаги, который на тот момент существовал. Однако и это ему показалось недостаточным – этот формат перестал отвечать его творческому замыслу, и демонстрации каждой из своих работ он начал склеивать из нескольких листов фотобумаги одну гигантскую фотографию. Средний размер подобных экспонатов был 2х4 метра.

Вместе со стоимостью подобных решений росла и стоимость фотоаппарата, который использовал Гурски. С появлением цифровых фотоаппаратов, цены на которые тогда были просто заоблачными, снималась проблема зернистости снимков большого формата. Во всем этом была внутренняя логика — современное искусство создается при помощи самых современных средств: для выполнения задач, которые ставил перед собой автор, цифровые модели фотоаппаратов оказались идеальным инструментом.

Так были создана работы, с которых известность Андреаса Гурски начала расти также быстро, как росли размеры его фотографий. Первый свой впечатляющий гонорар он получил в 2002 году за «Untitled V» — работу, изображающую огромную полку спортивного обувного магазина с выставленными на ней десятками кроссовок. Это фото было оценено в 611 тысяч 229 долларов.

Спустя пять лет Андреас Гурски создаст свою знаменитую «99 Cent II, Diptych», изображающую огромный склад, с выложенными на полках тысячами позиций различных товаров. Этот снимок стал настоящим символом общества потребления, которым стал современный мир. «99 Cent II, Diptych» был продан с аукциона за безумную для фотографии цену – 3,34 миллиона долларов, а Гурски официально стал самым дорогим фотографом за всю историю существования фотоискусства.

При этом такой фактор, как особенности и характеристики фотоаппаратов, которые он использует, по всей видимости, для него не особенно важен – известно, что свои снимки он впоследствии подвергает цифровой обработке. В 2011 году он побил собственный рекорд. Его «Рейн II» теперь украшает «Пинчук Арт Центр» на Украине, а состояние Гурски пополнилось на 4,33 миллиона долларов.

Сейчас, благодаря суммам, в которые оценены его работы, об Андреасе Гурски знает весь мир. Можно ли говорить о его творчестве, как о культурном феномене? Или он просто ловкий делец, уловивший тренд? Скорее и то и другое. Цена – понятие субъективное. Любой предмет (в данном случае фотография) стоит столько, сколько за него готовы заплатить. Если Гурски сумел убедить потенциальных покупателей своих работ, что они стоят миллионы, значит, они действительно столько стоят.

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован.